Dans la Brume électrique de Bertrand tavernier

Pas grand chose à se mettre sous la dent en ce moment, ni de sujets qui me motivent à pondre un article. C’est pourquoi il ne me reste sous le coude que la critique de ce film vu par hasard. En fait, il trainait depuis un moment mais je m’étais fait à l’idée que je ne le verrais jamais : j’avais une inquiétude toute manifeste à être déçu, ce qui m’empêchait de le regarder. Le sujet du film, les acteurs, le réalisateur, tout me faisait envie, ce qui logiquement renforce le blocage.

Dimanche, je me suis fait violence et j’ai franchi le pas. Et comme pour confirmer ma réticence, j’ai été pas mal déçu par ce film. Il n’y a rien à redire pourtant sur pas mal d’aspects du film :

Il s’agit tout d’une enquête policière sous fond de bayou, de tempête Katrina et de corruption généralisée. Suivant la piste d’un tueur en série sadique tueur de jeunes filles, le détective Dave Robicheaux renoue avec  de vieux démons : un ancien meurtre d’un noir il y a 35 ans, ses anciennes amitiés avec un potentat local mafieux et son passé d’alcoolique.

Les acteurs sont excellents (Tommy Lee Jones, john Goodman), les décors sont fabuleux et pourtant la sauce ne prend pas. ce n’est pas qu’on s’ennuie en le regardant mais on se sent comme étranger à l’histoire. Je n’ai pas réussi à entrer émotionnellement dans l’histoire. On sent c’est issu d’un bouquin tant le procédé narratif s’en inspire avec une utilisation à outrance de la voix off. Les scènes s’enchainent entre elles sans réelle logique et même la progression de l’enquête se fait sans causalité.

Il reste l’ambiance : celle du bayou et ses fantômes de l’ancien temps : ancien cadavre de noir pourchassé, garnison de confédérés perdus à jamais. Si Tavernier prend plaisir à rendre hommage au cinéma américain typique de ses atmosphères, il y arrive en tant qu’exercice de styles sans rendre transcendant ou prenant cette immersion. On ne ressent pas la moiteur (“où les moustiques ont bouffé les chauves souris”), la pourriture et la magie de ses bayous. Je préfère encore celles d’un “Angel Heart”.

Il reste au final plus un film d’auteur cinéphile qu’un film pour spectateur.

Mais cela reste à voir pour ceux ou celles qui seront plus touchés que je ne l’ai été : 6/10

KUNG FU PANDA 2 de Jennifer Yuh

C’est marrant comme en ce moment c’est toujours le deuxième film qui est le mieux. Après le décevant Cars 2, voici le très bon Kung Fu Panda 2.

Comme de bien entendu, on reprend les mêmes et on recommence. L’esthétique orientale est encore plus aboutie avec des décors somptueux, des chorégraphies rythmées et les petits détails qui font la différence. L’alternance entre l’animation 3d et des brefs passages en 2d est aussi une vraie réussite.

Cette fois-ci Poo avec sa fine équipe part combattre un seigneur de la guerre, un paon nommé Shen, en possession d’une nouvelle arme de destruction massive : le canon. Comment le Kung Fu pourra t-il lutter contre ce monstre pyrotechnique, c’est là toute la leçon de sagesse du film.

L’autre thème abordé dans le film est l’origine de notre panda boulimique. Vous vous doutez bien qu’en ayant une oie pour parent, il y avait quelque chose de louche.

Contrairement à Cars 2 qui se trainait en longueur, le rythme ne fléchit pas, les scènes s’enchainent rapidement  avec une fluidité parfaite. les combats font immanquablement penser à des films de jackie Chan (qui fait d’ailleurs la voix originale du singe).

Deux moments m’ont particulièrement plu : la course poursuite avec la chenille dragon vue du ciel, petit clin d’oeil au jeu pac-man, et celle à dos de pousse-pousse sur les toits de la ville. Je suis chaque fois admiratif du souci du détail dans ce genre de film. Il faudrait quasiment le regarder au ralenti pour prendre la mesure du travail accompli.

Mais la plus belle réalisation est sans conteste le méchant du film, un paon blanc rouge. Chaque mouvement est élégant et gracieux, chaque plume est acérée. C’est tout l’art du ballet chinois qu’on retrouve dans chacune de ses apparitions.

J’ai vraiment beaucoup aimé ce film, plus que je ne l’espérais. Faudrait-il voir du côté de Dreamworks dorénavant pour prendre un plaisir somme tout enfantin

Une bonne note : 7/10

Crazy, Stupid, love de John Requa et Glenn Ficarra

Si vous vous souvenez bien, j’avais parlé dans un article précédent de mon hésitation entre “Comment tuer son boss” et “Crazy, Stupid, Love” pour une petite séance nocturne. j’ai choisi le premier et bien mal m’en a pris. La semaine dernière, j’ai voulu conjurer le mauvais sort en regardant le perdant.

Et cette fois, l’indice de satisfaction est grandement remonté. Cela n’atteint pas les sommets du chef d’oeuvre ni la plaine surpeuplée des consommables juste digestes. Cela navigue plutôt du côté des petites comédies sympatoches sans prise de tête et qui ma foi, mettent de bonne humeur. Déjà, les dialogues ont plutôt évité la surabondance de grossièreté et de vulgarité qui permettent de maquiller le vide scénaristique. C’est du vaudeville pur jus.

L’histoire raconte les errements amoureux et sentimentaux de cal weaver (Steve Carrell) et Emily (Julian Moore) mariés très jeunes dont le couple est en pleine crise après 25 ans de mariage. Chacun à sa manière va tenter de gérer la situation : Emily, las de la routine, a trompé son mari demande le divorce. Cal au départ décontenancé ronge son amertume tous les soirs dans un bar. Au hasard d’une rencontre avec un séducteur professionnel, jacob (Ryan Gosling toujours aussi peu bavard), Il va tenter se se remettre en selle en se moulant dans un nouveau costume de célibataire fêtard et dragueur.

Autour de ce couple, gravitent d’autres personnages autant en quête  de réponses sur la façon de gérer leur sentiment : Robbie, leur fils de 13 ans est amoureux fou de la baby-sitter Jessica qui en pince elle-même pour Cal.

Bien sûr ces tentatives de résoudre des problèmes en les éludant ne fera que rajouter de la désillusion à l’échec. Tout ceci se finit comme de bien entendu  en sac de noeud géant où tout le monde dépend des autres pour s’en sortir. Même si la fin du film force un peu dans le Happy End, l’affaire est plutôt bien menée.

On n’a bien sûr l’impression d’avoir déjà vu ça ailleurs mais les acteurs sont attachants et les dialogues évitent tout côté mièvre.

Ca met la patate et rien que pour ça : 7/10

Histoire ne pas finir la soirée sur un échec cinématographique (voir le post précédent), j’ai décidé de regarder un petit film d’animation qui me semblait une valeur sûre. Premièrement c’est l’adaptation d’un des meilleurs comics de Batman parus en 1987. Le scénariste, Frank Miller est connu du plus grand nombre comme l’auteur de Sin City ou 300 mais aussi de magnifiques albums comme Ronin, The Dark Night ou Elektra. Le dessinateur Mazzucchelli apporte sa patte avec un dessin sombre, difficile d’accès par rapport aux stéréotypes traditionnels du genre.

Secundo, les films d’animation de la Warner sont en général de bonne facture et ne font pas d’impasse sur la qualité de l’animation. Il est à noter ici que le graphisme s’est par contre rapproché du style habituel de leur production plutôt que garder le dessin plus abrupt de Mazzucchelli.

En ce qui concerne le doublage, il est à noter que la voix du commissaire Gordon est assurée par Bryan Cranston alias Walter White de Breaking Bad. Ce la paraît un choix judicieux quand on compare le physique des deux personnages.

Autre anecdote, l’histoire pourra rappeler à certain le film “Batman Begins” qui puise pas mal d’éléments du comics.

L’intrigue débute dans un Gotham gangréné par la corruption à tous les étages de la société. La mafia locale (la famille Falcone) contrôle la société à travers une police totalement à sa botte. Prostitution, racket et trafics divers sont effectués sous le regard bienveillant du commissaire Loeb.

C’est dans cette ambiance délétère que débarquent deux nouveaux personnages :

– Le Lieutenant Jim Gordon, transféré à Gotham pour avoir dénoncé des flics ripous dans son ancienne affectation. Intègre et décidé à éradiquer le crime, il devra d’abord se battre contre ses propres partenaires aux mains du potentat local, situation rendu encore plus difficile quand on doit aussi gérer la venue prochaine d’un enfant

– Bruce Wayne, héritier richissime, revient après 15 ans d’absence dans la ville qui l’a vu naître. Cet exode n’est que la conséquence de l’assassinat de ces parents qui l’a durement marqué. Bruce Wayne n’est pas encore Batman mais des envies de justice le travaillent et il cherche un sens à sa vie.

Durant tout le film on suit l’évolution des deux personnages, on écoute leur voix intérieure. On saisit leur doute, leurs errances, leurs échecs mais leur volonté inébranlable de débarrasser la ville de ses éléments nuisibles. L’aventure réunira bien entendu les deux personnes dans un chassé croisé à travers Gotham. Ce sera l’occasion de voir d’autres personnages de l’univers Batman : Selena Kyle alias Catwoman et Harvey Dent, le futur Double-face.

L’histoire reste fidèle au comics originel, parfois un peu trop. En collant à l’aspect  narratif de la BD, le film perd en dynamique et en efficacité. Néanmoins, on reste face à un dessin animé de très bonne facture visuellement et scénaristiquement.

Un bon 8/10

Pour vous donner une idée : la bande annonce en Français.

 

Batman : Year One – Trailer / Bande-Annonce… par Lyricis
 

Posons tout de suite le postulat suivant : c’est un super héros qui ne m’a jamais intéressé. Il fait partie de ses héros de l’âge d’or des comics américains, infaillible parfait et creux. Il a été créé durant la seconde guerre mondiale par Kirby et Simon comme un outil de propagande patriotique glorifiant l’engagement des soldats américains. Il incarne un idéal et n’est en rien un humain au sens propre du terme : plus une figure ontologique du héros. Il a fallu l’arrivée de Stan Lee à Marvel pour commencer à envisager des super héros traversés par les doutes et autres travers de l’âme humaine.

Cette retranscription symbolique transparait dans le film dans une mise en abyme subtile où Capitaine América devient réellement un outil de propagande et un personnage de comics au sein même du film.

Le début du film décrivant le parcours de Steve Rogers, personnage chétif et recalé perpétuel au service militaire passe bien. Il en va de même sur la partie transformation en super soldat et son utilisation comme outil de propagande à travers le pays.

Le reste est plus discutable : le héros ne se blesse jamais, court tout le temps et gagne toujours. les méchants nazis ne savent pas tirer et malgré des armes d’une supériorité flagrante préfère se carapater à chaque fois (une influence certaine de la grande vadrouille) . Le super Vilain ne se défend jamais, préfère faire sauter ses bases une à une et a l’air complètement con.

Le film serait plus attachant si les faire-valoirs avaient eu des personnalités (comme Tintin avec Haddock, les Dupondt et tournesol). Mais on a juste des figurants avec trois répliques apprises à la sauvette. Pire, on les croirait tous sortis de papa Schultz.

J’ai regardé version 3d qui n’apporte rien : le film est plat et sans saveur : 3/10 et je suis sympa

Drive de Nicolas Winding Refn.

C’est en rentrant chez moi après le film que j’ai pris toute la mesure de celui-ci. Une demi-heure à conduire de nuit sur l’autoroute entourée des trainées lumineuses qui passent, concentré sur la route de manière hypnotique, a vite fait de me faire replonger dans l’ambiance du film.

Mais tout d’abord, quelques mots sur le scénario : C’est histoire d’un homme dont on ne se sait rien, pas très bavard, as du volant le jour comme cascadeur et convoyeur de truands la nuit. Ne s’impliquant jamais, ne s’aventurant jamais au delà des règles qu’il se fixe (pas de questions, pas de relations), l’individu ne comble son existence qu’en parcourant indéfiniment les rues de Los Angeles chaque nuit dans l’attente du lendemain. Cette solitude imposée prend fin le jour où il se prend d’amitié pour sa voisine, Irène, relation pourtant dès le départ compromise par le retour d’un mari sorti de prison.  Le passé du mari, les relations troubles de notre héros vont le pousser vers des décisions à la fois douloureuses et sans retour : je laisse le plus flou possible pour ne pas déflorer le film

Superbement filmé, le film n’est qu’une succession de huis-clos (appartement studio , habitacle de la voiture, ascenseur, restaurant minuscule, une salle de bains) oppressant qui se succèdent dans les méandres de Los Angeles. Même les acteurs sont filmés généralement de près et de profil, le décor restant insaisissable. les scènes de poursuite en voiture ne sont vécus que de l’intérieur de la voiture comme si l’extérieur ressemblait à ces vieux décors de film projetés sur les vitres.

On ressent constamment l’atmosphère des films de genres des années 70-80 : musique éléctro new wave, gant de cuir, blouson ringard en satin blanc et voiture quasiment d’époque (Shelvey Malibu 1973). On a même droit à une balade dans les canaux d’évacuation des crues comme dans un épisode sur deux de CHIPS. On pense à Clint Eastwood dans le rôle du cow-boy solitaire sans nom, le petit cure-dents en accessoire indispensable, les lunettes Vintage vissées au visage.

Mais le meilleur reste dans l’oscillation permanente qu’on ressent face au héros : sa gentillesse apparente, sa froideur, son mutisme, sa violence automatisée ou impulsive. On n’arrive pas à se décider quoi penser de cet homme là. On a même du mal à juger de son intelligence et dans l’intensité du calcul dans ses actes.

Il est immobile dans sa voiture et c’est le monde qui l’amène où il doit être.

Ne vous précipitez pas si vous pensez voir un film de bagnole. Précipitez vous si vous voulez voir un grand moment de cinéma.